Lunes, 09 Diciembre 2013 08:53

Payasos

En las obras de Shakespeare hay sólo dos figuras que se atreven a decir toda la verdad: el rey y el payaso, comentó el gran director de teatro Jonathan Miller a Studs Terkel, el extraordinario entrevistador e historiador oral. El rey puede decir absolutamente todo porque tiene autoridad suprema. "La otra manera de decir la verdad es no tener absolutamente ninguna autoridad, lo cual permite que la gente ignore lo que dices y, por lo tanto, estás en posición para decir lo que se te antoje... El payaso no tiene nada que perder, y el rey nunca puede perder lo que tiene".

 

Todos los demás mienten o se callan o no lo dicen todo ante el temor de caer al nivel del bufón mientras intentan escalar hacia el rey, comenta Miller.


Un par de payasos/bufones en Estados Unidos, Jon Stewart y Stephen Colbert, ofrecen un gran respiro ante la torrente de propaganda, manipulación y noticias de todos los días. Cuatro noches a la semana en sus programas de cablevisión, Stewart como conductor de un noticiero ficticio, The Daily Show, y Colbert, quien asume la identidad de un comentarista conservador rico en su programa The Colbert Report, no sólo se burlan de las autoridades políticas o mediáticas, sino de toda noticia que les parezca absurda, pretenciosa o engañosa.
El resultado: ambos son puntos de referencia nacional. Stewart ha sido declarado como el periodista más confiable del país en una encuesta de la revista Time, y eso que es locutor de un noticiero ficticio. Según algunas encuestas, ambos son la principal fuente de información política para los jóvenes, el sector más codiciado del teleauditorio nacional.


Cada noche unos 2 millones sintonizan The Daily Show (tres veces la audiencia de CNN) para ver cómo Stewart y su equipo de corresponsales abordan las noticias, no sólo para reírse, sino para algo más serio, acercarse a la neta. Muchos se quedan para ver el programa de su colega que sigue inmediatamente después. Una nación desesperada y agradecida sintoniza a Stewart porque hace la tarea a la que los medios de noticias han abdicado: rastrear el historial público para hacer que los políticos y periodistas rindan cuentas, comenta Rolling Stone. Ambos se pueden consultar en (the dailyshow y colbert nation)


Lo que hacemos es crítica social, sólo que lo hacemos a través de la comedia, resume Stewart, quien ha comentado que aunque la sátira puede ser catártica y puede avergonzar a poderosos, en sí no cambia las cosas, y señala que esa es la diferencia entre ser un revolucionario y ser un satírico. Pero afirma: somos una expresión de la insatisfacción de la gente con las instituciones existentes.


Ambos son parte de una larga tradición de cómicos como críticos sociales que han impactado la cultura y el debate político nacional a lo largo de la historia de este país. Entre los genios de la sátira se tendría que mencionar a Mark Twain, o en algunos momentos Chaplin o Marx (Groucho), o los cómicos Lenny Bruce, George Carlin, Tom Lehrer y Richard Pryor, y hoy día Bill Maher, entre tantos más. Ni hablar de los grandes caricaturistas.


El uso del humor como arma de crítica social y política se ha expresado en diversos momentos. Por ejemplo, durante el movimiento antiguerra y anticapitalista de los 60, el líder de los Yippies, Abbie Hoffman, convocó a una manifestación masiva alrededor del Pentágono, donde prometió hacer levitar el enorme edificio. Las autoridades primero lo descartaron como una bobería más, pero por si las dudas desplegaron a sus fuerzas para ver si a fin de cuentas algo sucedía. En otro momento, al ganarse una beca de unos miles de dólares, la canjeó por puros billetes de un dólar, se subió con cómplices al balcón para turistas de la Bolsa de Valores de Nueva York y los hicieron llover, para ver cómo los corredores se volvían histéricos brincando por los billetes.


En la gran batalla en Seattle, donde decenas de miles tomaron las calles para frenar la reunión de la Organización Mundial de Comercio en 1999, activistas entrenados por el Ruckus Society y otros escalaron edificios y puentes, dejando caer mantas maravillosas contra la globalización empresarial, asombrando a las autoridades y provocando sonrisas entre todos los demás. Payasos y mimos caminaban detrás de ministros de los gobiernos del mundo, imitándolos. Hubo un momento en que un delegado ruso no aguantó la burla y sacó una pistola, gritando ya basta. El movimiento altermundista que arrancó ahí continuó usando títeres enormes para burlarse de los políticos que promovían el libre comercio y en una de las movilizaciones masivas en Washington, poco después, la policía secuestró a todos los títeres de un almacén –los primeros títeres presos políticos–, ya que aparentemente eran muy peligrosos.


Los Yes Men utilizan la burla para enfrentar a los grandes intereses empresariales, mostrándose como representantes de ellos en conferencias de prensa nacionales y en foros empresariales, lo que provocó respuestas en verdad histéricas de ejecutivos y voceros de empresas como Monsanto, Halliburton y Shell, o de la Cámara de Comercio. A veces sus actos son más sencillos, como durante los mejores días de Ocupa Wall Street, cuando las autoridades pusieron un cerco alrededor de la famosa escultura monumental de un toro en Broadway, símbolo del poder financiero, y colocaron policías y una patrulla para vigilar el sitio. Una mañana aparecieron dos payasos, con el vestuario clásico (zapatos gigantes, bolas en la nariz), y se brincaron la valla de metal. Los policías los empezaron a corretear dentro de la placita alrededor del toro y de repente apareció un matador, con capa, quien se subió en la patrulla para desafiar al toro. Ver
Los payasos rompen la maldición del juego de poder. Y tal vez más que en Shakespeare, a veces hasta desnudan al emperador. Son algunos de los mejores guías a Estados Unidos. Y a veces la risa es esencial al tratar de entender este país.

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desdeabajo –da–. Maestro: ¿Cómo contempla el trayecto recorrido hasta hoy?
Santiago García –SG–. Estamos cumpliendo 45 años de haber consolidado la formación de nuestro teatro: La Candelaria. En 1966 fundamos la Casa de la Cultura que era una cosa bastante caótica, localizada en la carrera 13 con la calle 20. Pero aquí ya logramos tener un espacio, una sede y un grupo que era lo mas importante, un equipo de gente que trabajara con permanencia en la creación de obras nuestras. Porque hasta ese momento montábamos obras muy modernas, como las de Fernando Arrabal o Enrique Buenaventura, pero es en ese momento que se inicia el proceso de crear colectivamente nuestras propias obras. Y uno de los primeros grandes éxitos que tuvimos fue Nosotros, los comunes, una obra que hablaba de la revuelta de Los Comuneros.

da. ¿Qué vino después?
SG. Después vino la creación de la Corporación Colombiana de Teatro, dirigida por Patricia Ariza, aquí al lado, y otros grupos que se nos unieron en torno al desarrollo de múltiples actividades de teatro. Así se desarrolló la construcción de un público, un público joven, universitario. En estos años se ha consolidado la creación de una red de grupos y el proceso sostenido de creación de una dramaturgia propia.

En ese momento también se crearon grupos hermanos, como el TEC en Cali, y otros en Bucaramanga, Medellín, Tunja, Barranquilla, así como en Ecuador, en Perú, en Brasil, grupos que nos apoyaban y daban la posibilidad de hacer giras. Estos grupos no solo nos traían público sino ideas, inventos que hacían. Nosotros los agarrábamos inmediatamente y comenzábamos a aplicarlos. Un proceso muy intenso, de creación y aprendizaje colectivo, que coincidió además con un momento de efervescencia del teatro en diversos lugares del mundo. De hecho Lina Moscovitz de Brasil nos acompañó en la creación de la Casa de la Cultura.

da. ¿A qué atribuye, Maestro, la hazaña de sostener un grupo durante tantos años, y al mismo tiempo aportar a nuestra comunidad obras que abordan nuestras circunstancias de vida?
SG. A que se necesitaba. No impusimos nada. El público necesitaba ver teatro, estar en un teatro que le hablara de cosas que incluso él mismo no sabía que necesitaba escuchar o vivir. Cuando eso acontecía el espectador salía emocionado, entusiasmado, a compartir lo que había vivido, lo que le permitía comprender, comprenderse, liberarse. El público llegaba, y su comunicación boca a boca, acrecentó su afluencia, haciendo casi que innecesaria la prensa, pero las secciones culturales de la prensa nos apreciaron y nos acompañaron.

Era el momento no solo de recoger lo creado en otras latitudes sino de proponer lo nuestro. No bastaba traer el teatro de vanguardia de Europa, de Bertold Brecht, de América Latina, sino crear lo nuestro. Y esta creación no era el invento de un individuo sino el invento de un grupo la creación colectiva. Esta creación conjunta no solo era la del grupo, sino que se nutría de la red que surgió de los diversos grupos de teatro en diversos lugares del país y de América Latina, y de los diversos creadores en diversas artes como Obregón y otros artistas.

El arte en su esencia es colectivo. El arte no es de adanes. El arte brota de una familia, de un entorno, de un grupo.

Otra circunstancia que potenció la creación, aquí y en Europa, fue la guerra. Porque se vive al borde de la muerte. La condición limite. La necesidad de crear en lo nichos, en las cuevas, en las trincheras. La crisis potencia el instinto de sobrevivencia y acicata la capacidad de crear.

La importancia que tiene el teatro, es la importancia que tiene el arte, espacio de la creación, del invento. Ahí es donde se juega la capacidad de inventar de crear. Ahí se iguala a Dios, porque no repite.

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En su película La caída de los dioses, el director Luchino Visconti narró los acontecimientos que provocaron el nazismo en la Alemania de los años treinta: miedos, discursos apocalípticos y estados mentales enajenados. Estrenada en 1969, era una mirada al pasado para recordar al espectador los errores que habían causado la aparición del gran monstruo.

Tomaz Pandur ha "enriquecido" el guión y ha hecho suya ahora esta película "del padre del culto a la estética", según el director esloveno, para trasladarla al teatro y plantear al espectador que la aparición del ogro del fascismo no nos queda tan lejos. "Los conceptos de Visconti probablemente son capaces de responder de forma más contundente que en el momento en el que fue realizada la película, ya que refleja el mundo en el que vivimos", afirma Pandur, que en España ya ha estrenado obras como Medea y Hamlet. De ahí que el director espere que la función proponga preguntas sobre "quiénes somos y cuáles son nuestros valores éticos".

Esta producción, que se estrenará el próximo 17 de marzo en el teatro Calderón de Valladolid, realizará después una amplia gira que incluye el festival Grec de Barcelona y las Naves del Matadero, de Madrid. Cuenta con un reparto de una decena de actores, entre ellos, Belén Rueda, Emilio Gavira, Alberto Jiménez y Pablo Rivero. Ellos representan a los Von Essenbeck, la familia que se debate entre el apoyo o no al Partido Nacionalsocialista, llegado al poder en 1932.

El fantasma de la crisis

"En el trabajo de Pandur hay algo que va más lejos que la película y tiene que ver con la crisis que padecemos. Cuando los mercados extorsionan pueden despertar el monstruo que toda sociedad llevamos dentro. Es una llamada de atención", sostiene Alberto Jiménez. Para Belén Rueda, que regresa al teatro después de Closer y que en esta obra interpreta a la madre de familia, Sophie Von Essenbeck, "la cuestión de este montaje no es cómo se reaccionó en 1934, sino cómo se reaccionaría hoy en día".

La puesta en escena "es muy minimalista", asegura Pandur. Sobre el escenario se crean imágenes en dos dimensiones a partir de un espejo. "Este es el objeto más mágico que ha existido en toda la historia. En realidad, el diseño de la escena muestra un estado mental", añade el director.

Para Pandur el teatro debe alejarse, principalmente, de las colecciones de los museos. Ser algo vivo y actual. "Lo importante es que cuando se levante el telón hay un constante renacimiento, y que lo que veamos refleje el tiempo en que vivimos", afirma. Aunque sea un Shakespeare. Quizá por eso, como dijo Rainer Werner Fassbinder, "La caída de los dioses es para la historia del cine lo mismo que Shakespeare para la historia del teatro".

PAULA CORROTO Madrid 08/03/2011 21:25 Actualizado: 08/03/2011 21:46
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Diciembre tiende a convertirse en un mes maldito. No sólo para aquellos espíritus reticentes a las fiestas navideñas. Siempre muere un intelectual que deja un vacío imposible de compensar, si es que acaso se cree en la compensación como un alivio o un modo de reparar esas heridas que emergen con las pérdidas de miradas críticas, de esas pequeñas lucecitas que son faros en medio de la oscuridad. Según informó su segunda esposa, la historiadora Antonia Fraser, en una breve declaración, ayer murió el dramaturgo británico más importante del último medio siglo, Harold Pinter, a los 78 años, ganador del Premio Nobel de Literatura en 2005. Desde el 2002, el autor de piezas como Fiesta de cumpleaños, El amante y Polvo eres (ver aparte) luchaba contra un cáncer que definió como “su pesadilla personal”, en ocasión de un homenaje que le hicieron en Turín a fines de ese mismo año. Pero había una pesadilla superior que le quitaba el sueño: la ignorancia, arrogancia, estupidez y beligerancia de los Estados Unidos. “Creen que tres mil muertos en Nueva York son las únicas muertes que cuentan. Son muertes norteamericanas. Las otras muertes son irreales, abstractas, sin consecuencia. No hay referencia alguna a las tres mil muertes en Afganistán. Los cientos de miles de niños iraquíes muertos a causa de la falta de medicamentos provocada por el bloqueo de Estados Unidos y el Reino Unido no merecen referencia”, afirmaba el también guionista, poeta y actor, preocupado por esas omisiones imperdonables para un artista que siempre descargó su “rabia, horror y asco” por las situaciones de opresión que veía en el mundo.

“Los pueblos no olvidan la muerte de sus semejantes, no olvidan la tortura y la mutilación, no olvidan la injusticia, no olvidan la opresión, no olvidan el terror de los poderosos. No sólo no olvidan. Retribuyen”, agregaba Pinter en ese formidable discurso de Turín, prestando siempre su voz –aun cuando pudiera quedarse afónico de tanto gritar con sus palabras– para conjurar el silencio. En las últimas fotos se lo veía caminar con bastón, pero no necesitó ningún apoyo para denunciar abiertamente los abusos del poder político, a pesar de la fragilidad de su salud. El enfant terrible de la generación denominada “jóvenes iracundos” nació en Hackney, un barrio humilde en el East End londinense, el 10 de octubre de 1930. Hijo único de un sastre y de un ama de casa, sus cuatro abuelos fueron judíos askenazis que habían huido de los pogroms polacos y rusos a fines del siglo pasado. No sólo había una memoria ancestral de persecución, sino que a temprana edad vivió los bombardeos sobre Londres, cuando la muerte formaba parte del aire que se respiraba. Apenas bastan los dedos de la mano para encontrar trayectorias similares a las de Pinter. Tenía una cuchilla especialmente afilada para desmontar en gajos las capas de contradicciones de los vínculos humanos, para indagar en la naturaleza del poder y en los riesgos de que el fascismo penetre en los pliegues más íntimos, como si no se tratara tan sólo de un movimiento político, sino de un aspecto del alma. Hombre de convicciones y compromisos políticos inclaudicables, de esos que nunca tuercen el brazo hacia la derecha, se opuso al gobierno de Margaret Thatcher y rechazó el título de sir porque le parecía “sórdido”.

En la biblioteca de Hackney, el joven Harold devoró al azar todo lo que encontraba. Dostoievski, Kafka, Joyce, Eliot y Pound fueron su primera escuela; por ellos, o gracias a ellos, tuvo la primera certeza: la vida era algo incierto. El fascismo seguía vivo en el mundo de posguerra londinense bajo la forma de librerías, diarios ultranacionalistas e incluso grupos itinerantes. Y peor aún fue comprobar la tolerancia pasiva de un gobierno laborista que en 1945 no hacía ningún intento por frustrar el resurgimiento del antisemitismo inglés. El ADN de su identidad artística, de ese brazo que siempre pulseó hacia la izquierda, se encuentra en estos años de formación. Después de su bar mitzvah, el adolescente Pinter, que ya mostraba alta presencia hormonal de inconformismo, renunció a la religión a los 13 años. Su rechazo a la estructura estatal lo impulsó a negarse a cumplir con los dos años de servicio militar obligatorio en 1948. Fue su primer acto de resistencia política.

Pinter llegó al teatro de Londres en la segunda mitad de los años cincuenta. Inició su carrera como actor (bajo el seudónimo de David Baron), oficio al que ha vuelto cada tanto a lo largo de los años. Cuando comenzó a escribir, hacia fines de los años ’50, supo que las privaciones y la necesidad existen aun en la opulencia y la satisfacción que anestesiaban a la sociedad inglesa. En 1957 publicó su primera pieza breve, The Room (La habitación), en la que abordó la historia de una mujer casada que no quiere bajar al sótano de su casa en el que está viviendo un extraño, un hombre que la llama por otro nombre, como si la conociera de otros tiempos, como si ella hubiera vivido otra existencia que ha tratado de olvidar. Un año más tarde, con La fiesta de cumpleaños, adquirió notoriedad explorando el tema de los que se rebelan contra el establishment y de los que lo defienden. El dramaturgo inglés mostraba cómo los defensores del establishment son sus víctimas inconscientes. El éxito llegaría con El cuidador (1959), pero aún quedaba un largo camino por transitar en la dramaturgia con La colección (1961), El amante (1962), La vuelta a casa (1964), Traición (1978), Un tipo en Alaska (1982), Un trago para el camino (1983) y Polvo eres (1996), entre otras de las más de 30 obras que escribió, a las que se suman los 21 guiones cinematográficos, incluidos La mujer del teniente francés y Betrayal, candidatos a los Oscar; la novela Los enanos; decenas de relatos cortos y cientos de poemas. En los ’80, Pinter publicó obras más abiertamente políticas, que versan sobre la crueldad, la tortura, la violación de los derechos humanos o lo que el dramaturgo consideraba la duplicidad de las democracias occidentales. Pinter examinó la relación entre verdugo y víctima en One for the Road (1984), inspirada en Tomando té con el torturador, incluida en el libro del periodista Andrew Graham-Yooll Memoria del miedo, una crónica de la violencia política que se vivió en la Argentina de la década del ’70.

La dramaturgia pinteriana está cincelada por un profundo sentido de la territorialidad, del poder y de la traición entre hombres a causa de la mujer. Su recurso más habitual consiste en interrumpir los diálogos con silencios misteriosos y pausas, pero también se ha señalado el inexplicable comportamiento de los actores, las pequeñas habitaciones, un número reducido de personajes y las permanentes apariciones de extraños amenazantes. Cuando la Academia Sueca le otorgó el Premio Nobel, en octubre de 2005, el jurado subrayó que en la habitación típica de Pinter “se encuentran seres que se defienden contra intrusiones foráneas o contra sus propios impulsos, atrincherándose en una existencia reducida y controlada”. Andrew Graham-Yooll, en el prólogo de Guerra (Ediciones de la Flor), advierte que la dramaturgia de Pinter se sitúa a mitad de camino entre dos extremos brillantes. “Si James Augustine Joyce (1882–1941) metió todo en la creación literaria para nunca más dejarle palabra libre disponible a nadie, y Samuel Beckett (1906-1989) le sacó todo como para que la dramática quedara liberada de las palabras, Pinter usó el idioma en la medida y filo justos como que una breve oración tuviera la fuerza de penetración de una daga.”

En sus primeras obras se percibía una marcada influencia de Samuel Beckett, con quien mantuvo una larga amistad. “Lo conocí una noche en París. Me llevó de bar en bar y terminamos tomando sopas de ajo a las cuatro de la madrugada. Bicarbonato a la mañana siguiente”, rememoró. El vínculo del dramaturgo con la Argentina no es menor. Pinter apareció en un video homenaje a las Madres de Plaza de Mayo en el que les dedicó unas emotivas palabras. Pero además, actores y directores teatrales locales lo admiraban y representaron casi todas sus obras en los teatros argentinos (ver aparte). En los ’70 criticó la actuación de EE.UU. en el golpe que derrocó a Allende en Chile. En 1988, Pinter y su segunda mujer, la historiadora Antonia Fraser, crearon el Grupo 20 de Junio, formado por intelectuales de izquierda, con el objetivo de derrocar al gobierno de Thatcher. En los últimos años sus críticas políticas más ácidas estuvieron dirigidas contra la violación de los derechos humanos y contra la guerra de Irak, en la que Reino Unido fue fiel seguidor de la administración estadounidense. Del ex primer ministro británico Tony Blair llegó a sugerir, en su discurso de aceptación del Premio Nobel, que era un “criminal de guerra” que podría ser sentado ante el Tribunal Penal Internacional por las atrocidades cometidas en Irak. Y de Estados Unidos dijo que era un país “dirigido por una pandilla de delincuentes”. Muchos extrañarán las “granadas” que arrojaba Pinter.

Por, Silvina Friera
 

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Miércoles, 23 Junio 2010 11:41

Una historia de vida contada desde el teatro

Eran más de las 11 de la noche del 3 de octubre de 2006 cuando Peter Carmona salió de su casa en Moravia para caminar, como solía hacerlo, por toda la avenida del río Medellín. Fue ésta su última travesía por la ciudad. Peter desapareció y dos años después la notificación del CTI de la Fiscalía fue que había aparecido en Nariño (Antioquia) muerto en un combate con el ejército el 4 de octubre de 2006 a las 6 de la mañana, es decir, justo el tiempo del recorrido de Medellín al municipio de Nariño.

Peter era un joven artesano y pescador que solía tejer sus atarrayas y hamacas en los bordes del río Medellín, zona frecuentada en su mayoría por habitantes de la calle y lugar predilecto de la policía para cometer atropellos, y ejercer violencia indiscriminada contra ellos, muchos alucinados e indefensos. Peter había sido detenido por la policía en dos ocasiones: la primera por tener marihuana, y la segunda por oponerse a que la policía le diera una paliza a un sujeto de la calle. De manera que Peter estaba fichado. La historia que aquí intento narrar fue llevada al teatro por la hermana de Peter, en un montaje llamado Falso+positivo.

La obra cuenta la historia de la desaparición, la búsqueda y el hallazgo de Peter Carmona, a quien su madre y su hermana esperaron durante casi dos años sin tener respuesta de las autoridades. La búsqueda de Peter en los hospitales, morgues, parques… y su posterior hallazgo torturado y burdamente disfrazado y armado como guerrillero, se convierten en la trama kafkiana y con tintes tragicómicos de esta puesta en escena que nos conmociona y, en una especie de ritual colectivo, nos dice en el lenguaje metafísico y dramático del cuerpo: Prohibido olvidar.

El grupo se llama La Antiliga. Su dramaturga principal es Claudia, hermana de Peter. La autenticidad de esta obra está en su propuesta o su experimento teatral y narrativo: i) contar un relato en primera persona –una historia de vida– sobre un caso de desaparición forzada, tortura y asesinato cometido por agentes de seguridad del Estado, y ii) teatralizar esa historia con seis actores en un espacio mínimo1 (3 metros por 1,50), donde los actores son a la vez personajes, objetos y espacio. Teatro del cuerpo y de la crueldad: no se representa; se actúa, decía Artaud, para “hacer del teatro una realidad en la cual se pueda creer”.

La Antiliga es entonces un teatro alquímico, del cuerpo y de lo mínimo llevado a su máxima expresión y teatralidad. Falso+positivo es una historia de vida contada por una víctima que actúa –y elabora el duelo– sobre esa realidad de muerte y desolación.

La obra es creación colectiva de actores comprometidos con su montaje: contar la verdad, hacer la denuncia de un crimen de Estado que, estableciéndose como patrón de conducta en las fuerzas militares, ha dejado cerca tres mil víctimas en los últimos siete años.

Realidad testimoniada por la Coordinación Colombia Europa, que en un informe presentado por la Fundación para la Educación y el Desarrollo, Fedes, afirma: “En los últimos siete años se habrían producido en el país más de 3 mil ejecuciones extrajudiciales, [...] los llamados casos de ‘falsos positivos' son sólo la ‘punta del iceberg' de un delito de ejecución sistemática y controlada. Según el organismo, desde 1994 han sido documentados 3.796 casos, de los cuales 3.084, más del 95 por ciento, se han producido en los últimos siete años, es decir, a partir de la entrada en vigencia de la seguridad democrática”2.

Falso+positivo es la obra comprometida de unos artistas que, desde una digna rabia y en un “espacio mínimo”, teatralizan la tragedia humana de los falsos positivos y el drama prolongado de sus familiares en la búsqueda de justicia y verdad. Ya veremos la continuidad de la seguridad democrática a qué nueva tragedia (hecatombe o sacrificio) nos avocará.

*    Actor principal del Living Theatre, colectivo anarquista de artistas que ocupó los principales teatros underground de Estados Unidos y Europa durante las décadas del 60 y 70 del siglo pasado.
1   Técnica actoral del francés Jaques Lecoq.
2   El Espectador, Bogotá, 24 de mayo de 2010.
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Miércoles, 22 Julio 2009 12:04

Entepola-colombia2009

Desde el 2003, el Festival Internacional de Teatro Popular Entepola (Encuentro de Teatro Popular Latinoamericano) Colombia ha utilizado el arte como excusa para reunir a las comunidades de Bogotá y Soacha con artistas procedentes de diferentes partes del mundo en una sola puesta en escena: un festival de teatro. Allí no hay espectadores, todos somos artistas, y nuestro papel depende de lo que podemos y deseamos aportar desde nuestro propio sentir, pensar y expresar. Es así como todos los participantes, comunidad, artistas y organizadores (estudiantes de las Universidades Nacional y Distrital) hacemos un trueque vital durante más de 10 días, poniendo a disposición de quienes asisten nuestros propios talentos. La comunidad se solidariza con el hospedaje, transporte y alimentación de los artistas, quienes, por su parte, se autofinancian el viaje hasta la localidad escogida para el evento y dan su arte “Los organizadores damos nuestro tiempo y nuestro esfuerzo para crear un ambiente propicio para la realización del Festival, contribuyendo logísticamente a las presentaciones y talleres que dictan en la localidad y en las diferentes universidades, así como al hogar provisional de los artistas”.

En este marco es indispensable que ninguna de las funciones tenga valor monetario. El valor reside en la disposición de contribuir al proceso de conformar un espacio cultural por todos y para todos, en apostar a que es posible desarrollar procesos artísticos y comunitarios sin depender del dinero. Por esto, el trueque es la forma fundamental de hacer dentro del Entepola.

Esta visión del mundo– porque el festival materializa un sinnúmero de posibilidades y retos vitales– tiene como antecedente el trabajo del Teatro La Carreta de Chile –fundado en julio de 1984–, que ha buscado potenciar la vocación y la capacidad artística expresiva, especialmente, en los habitantes de las comunidades menos favorecidas, utilizando el teatro, las artes escénicas, los medios de expresión audiovisual, etcétera, como instrumento pedagógico y cultural. Su intención ha sido intervenir solidariamente en el fortalecimiento de la organización e identidad social local.

Este grupo teatral inició hace 20 años el sueño de unir a Latinoamérica con un Encuentro de Teatro Popular. Cada enero, Santiago de Chile recibe a 60 grupos de diferentes países para expresar la vida con actividades de intercambio artístico, encuentro afectivo y de construcción crítica de las identidades populares de América Latina.

Con la participación del grupo de títeres Eclipse, de la Universidad Nacional, en el Entepola Chile Nº 17, llega la idea del Encuentro de Teatro Popular Latinoamericano Entepola a Colombia. Sin embargo, este sueño nace con anterioridad en la directora de Eclipse, Mary Olarte, cuya intención también ha sido fortalecer el compromiso de la Universidad con los procesos de comunidades a través de las artes escénicas. A pesar de los retos y las dificultades que implica la construcción de un espacio como el Entepola, el trabajo conjunto ha hecho posible que desde hace seis años, en agosto, el Festival haya sido un éxito en todas sus versiones. Los planes son continuar soñando colectivamente, latinoamericanamente, porque la idea es que los grupos que participan en Entepola-Colombia puedan pasar al de Ecuador, Venezuela, Perú, Brasil, Chile y Argentina (cuyas versiones ya existen con las particularidades propias de cada localidad), en un circuito de arte popular del subcontinente.

Retrovisor

En el I Festival Internacional de Teatro Popular “Un Teatro pa’Todos” Entepola-Colombia 2003 hubo una alianza solidaria entre la Asociación para la Ayuda Comunitaria (Asacom), Eclipse y la Asociación Cultural Carretaca, con grupos teatrales de España, Chile, Perú, Venezuela, México y Colombia. En su primera versión se realizaron actividades impulsadas por los diferentes directores invitados en las localidades de Puente Aranda, Kennedy, Bosa y Ciudad Bolívar, así como en la Universidad Nacional. El II Festival Internacional de Teatro Popular  “Sueña Bonito Colombia” Entepola-Colombia 2004, que se llevó a cabo en Tunjuelito, reflexionó sobre la relación del teatro con las formas de expresión populares. A partir del III Entepola 2005, que tuvo como sede la localidad de Suba, el eslogan “Un Teatro pa’todos” ha sido el de los festivales subsiguientes. En 2006, el IV Entepola, realizado en Usme bajo el auspicio de la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad. Tuvo la particularidad de acercarnos, por primera vez, tanto al escenario y la calidad humana de la Universidad Distrital, como al teatro clásico del siglo XVII, Siglo de Oro del teatro en España, recordando su principio: el mundo es un gran teatro, y el teatro es el arte más adecuado para representar la vida. El V Entepola 2007, tuvo el acierto de forjarse en el municipio de Soacha, donde la solidaridad fue increíble. El más reciente de los festivales, el VI Entepola 2008, lo llevamos a cabo en la localidad de Engativá. Fue tal la acogida y apoyo de la comunidad, que su versión 2009 tendrá como sede esta misma localidad.

Es así como, en últimas, este artículo también es una excusa, una excusa para invitar a todo el país a hacer parte de esta apuesta vital, a que hagamos posible la VII versión de Entepola-Colombia “Un Teatro pa’Todos” en el barrio Floridablanca I Sector de Engativá, del 9 al 16 de agosto de 2009.

Visita: www.entepolacolombia.com
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Publicado en Edición 148
Es la noche del sábado 28 de marzo y en una antigua casona del barrio La Candelaria, un hombre mayor, con sospechosa agilidad en el cuerpo y notable claridad en la voz, nos pide con amabilidad –porque vivimos en un país amable–, nos dice que nos dirijamos a escuchar la palabra del cacique Uwa al que los españoles le quemaron las quimbas por no revelar dónde estaba el oro.
 
Se trata de Santiago García, uno de los fundadores principales del mítico grupo teatral La Candelaria, que tantos reconocimientos ha tenido por una labor de más de 40 años consagrados al arduo y vital proceso de creación colectiva, la experimentación artística y el sostenimiento de una ventana de luz sobre una realidad demencial instaurada como lo más normal del mundo. Mientras aprende, el Grupo nos ha enseñado a liberarnos de las percepciones instauradas, así como a observar mejor esta extraña jaula en la que somos absolutamente libres, con la única condición de no expresar lo que pensamos y sentimos ni hacer lo que anhelamos.
 
Esta noche se presenta A titulo personal, una mirada irónica al asombroso quehacer de cuatro décadas del colectivo, que ofrenda un derroche de afirmación vital, talento y lucidez en medio del imperio de la estulticia y el cinismo. Esta obra colectiva fue creada a partir de la rica memoria del grupo apasionado por el estudio del teatro, la poesía y la ciencia de lejanas geografías, de la realidad desaforada del sur de América y del discurrir vertiginoso de nuestro crisol de razas y culturas –a un tiempo infernal y deslumbrante–, que hierve en esta esquina andina, caribeña y amazónica de Abya Yala, tan largo tiempo codiciada. La obra fue tejida también con la memoria de las penas infinitas nacidas del prolongado sacrificio de tantos inermes soñadores…
 
Fuera del Teatro quedan las calles y veredas con más 550.000 jóvenes humildes intoxicados en la desconfianza y el odio, y condenados a los oficios horrendos de la guerra; en el patio del Teatro, antes de ingresar en la sala, se inicia el Carnaval, un torrente de música y pasión –porque el marketing para vender a Colombia en los mercados internacionales ha dictaminado que Colombia es pasión– en medio de la miseria y el desangre.
 
Discurriendo entre el viaje al recuerdo con el desfile de la memoria poética de la revolución rusa, la voz y la presencia formidable de Carmiña cantando a capela un vallenato que nos arroba sin remedio por el sentimiento con el que lo interpreta, y por la letra mordaz que en tres minutos nos conmociona con verdades de piedra, y la fulgurante pedagogía artística que despliega Paletas, mostrándonos entre otras muchas cosas la forma cómo los desaparecidos nos hacen aparecer y cómo se es libre dentro del reglamento. Así se inicia una filigrana de fulgores labrada por una excepcional conjunción de talentos maduros y en flor.
Alguien decía que en tiempos oscuros se escribe con tinta invisible, y en este territorio, en el que hoy continúan entrelazados lo horrendo y lo luminoso, sigue germinando un teatro impecable en la tradición pero arriesgado en la propuesta, sutil y brutal, audaz en la expresión despiadada y no hermético a la ternura, sazonado con maestría en canto y poesía, y capaz de arrebatarnos en un instante una risa irreprimible, y en el instante siguiente congelarnos la sonrisa en los labios al abrirnos la conciencia a lo monstruoso que se esconde en la comedia.
 
Un hilo de música seleccionada con un cuidado alquímico, una serie de pinturas vivas y fragmentos magistrales que ahora enardecen, dejan desolación y atraviesan la obra. En la sala del Teatro están, y lo disfrutan como chiquillas, abuelas campesinas que han venido hasta Santa Fe de Bogotá a la temporada de Teatro de Mujeres en Escena, organizado desde hace años por ese ciclón hacedor en forma de mujer: Patricia Ariza, quien también forma parte del grupo que ha logrado A título personal.
 
Fuera del Teatro permanecen muchas organizaciones sociales, sindicales y políticas que persisten en rutinarias prácticas sectoriales, en deleznables ambiciones, recelos y murmuraciones que no se compadecen con el itinerario de horror a que ha sido sometido un pueblo noble y laborioso, en dogmas que se repiten en el fracaso proveniente del germen fatídico de pretender instrumentalizar a los otros, en lenguajes desvitalizados, y en métodos de comunicación incapaces de establecer empatía con la gran masa irredenta que día a día, noche a noche, enfrenta la falta de pan, techo, medicina, dignidad y cultura, en medio de la condición adversa de un país arrojado desde 1946 a la aniquilación sistemática, el enfrentamiento fratricida y la amnesia.
 
Una comunicación en diversos planos con nuestros sentimientos profundos, y las fuentes de nuestro ímpetu, brilla con luz propia desde la obra, en medio de una atmósfera que ve prevalecer el desconocimiento por norma y el autismo expandido. Así, A título personal puede ser apreciada más de una vez porque se trata de varias obras en una, y porque el estado anímico de un mismo audiente creativo encontrará diferentes resonancias en cada contemplación.
Publicado en Edición 145
Entre la reflexión sobe la situación que sobrellevan las mujeres, y el conflicto armado que padece Colombia, se lleva a cabo desde los primeros días de marzo el XII Festival de Mujeres en Escena.

El Festival, organizado por la Compañía Colombiana de Teatro, a cuya cabeza se encuentra la dramaturga Patrica Ariza hace ya 17 años, reúne unos tres centenares de artistas, integrantes de numerosas compañías provenientes de España (país invitado), Canadá, Cuba, Ecuador, Italia, Japón, Noruega y Perú.

Además de las obras en escena, el Festival integra actividades de danza, cine, fotografía, música y de reflexión literaria.

El evento se llevará a cabo en 18 espacios convencionales y alternativos con el lema “Mujeres, arte y parte en la paz de Colombia”.

Por España estarán los grupos Simulacro Teatro, Las Zorabunlas de Margarita Borja, Gricel Severino y Nomad Teatro, entre otros.

En el marco del Festival habrá una exposición de la fotógrafa cubana María Cienfuegos y el colombiano Carlos Mario Lema, el ciclo de cine “Con Nombre de Mujer” y encuentros académicos y de reflexión.
En su comunicación con el público bogotano, y como actividad específica del día internacional de la mujer, 8 de marzo, la Corporación Colombiana de Teatro tendrá una instalación en el centro de la capital del país

Madre Coraje

Una de las características de este Festival es la promoción de nuevos grupos de teatro y la apertura de espacio para nuevas propuestas artísticas. La presentación del grupo de Teatro de Mujeres de Tumaco: Madre Coraje, con su obra: La Madre, da cuenta de esa tradición de estímulo a nuevos montajes y montajes.
La Madre, son unos diálogos adaptados por  la dramaturga Patricia Ariza, cuyo texto original denominado “Madre Coraje” es obra de Bertholt  Brecht, obra escrita entre 1938 y 1939. El primer montaje de la misma data del 14 de abril de 1941 en Zúrich, bajo la dirección de Leopoldo Lindtberg.

Presentación: Grupo de Teatro Mujeres de Tumaco Madre Coraje
Obra: “La madre”
Coordinadoras:  Inge Klentgens
Gabi May
Fecha: Martes 10 – hora: 7p.m.
Miércoles 11 – hora: 6 p.m.
Lugar: Sala  Calarca del TECAL
Dirección: Calle 3 Nº 2-70 Candelaria

Hacen parte del Festival, entre otras obras y actividades:

Sala Seki Sano • Cl. 12 Nº 2-65 • Tel: 342 96 21
Jueves 5: Rapsoda Teatro - Olimpia
Viernes 6: El Ciruelo - Manobra
Sábado 7: Papagayo Teatro - Tríptico de des-arraigo (Cali)
Domingo 8: Aerodanza - La Araña 
Lunes 9: Enlace Melisa  - Pluma
Martes 10: Teatro Nomad (España)
Miércoles 11: Grupo Cia Dansalut - Viaje al fondo del mar (España)
Jueves 12: Obeida Benavides (Barranquilla)
Viernes 13: Teatro La Máscara - La reina de los bandidos (Cali)
Sábado 14: Grupo Cia Dansalut - Viaje al fondo del mar (España)
Domingo 15: Los dos cuerpos - Las flores sucias
Lunes 16: Ara Ara Toki - Monólogo de la puta en el manicomio     
Martes 17: Flores de Otoño - Memoria - Paz Mayor 
Miércoles 18: Teatro U. de Antioquia - Telaraña (Medellín)
Jueves 19: Teatro de la Memoria - Días felices  
Viernes 20: Beatriz Camargo - Nierika (Villa de Leyva)
Sábado 21: Aerodanza - La Araña 
Domingo 22: Por confirmar
Lunes 23: Por confirmar
Martes 24: Teatro Estudio Santa Clara – Atrida (Cuba)
Miércoles 25: Teatro Estudio Santa Clara – Cassandra (Cuba)
Jueves 26: Teatro Estudio Santa Clara - La más fuerte (Cuba)
Viernes 27: Rapsoda Teatro - Olimpia
Sábado 28: Lars (Noruega)
Domingo 29: Geddy - Mi vida (Noruega)

Teatro La Candelaria - Cl. 12 Nº 2-59 • Tel:281 48 14
Sábado 7: A título personal 
Martes 10: Groucho - Prometeo en blues (Italia)
Domingo 15: CCT - Pasarela
Lunes 16: Maribel Acevedo - 48.9     
Martes 17: Umbral Teatro   

Fundación Teatral Estudio Calarcá - Cl. 13 Nº. 2-70 •  Tel: 334 1481
Jueves 5: Lecturas de obras de dramaturgas en proceso
Viernes 6: Teatro del Azar - Androginias y otros desastres menores (Canadá)
Sábado 7: Ara Ara Toki - Monólogo de la puta en el manicomio
Domingo 8: Enlace Melissa - Pluma    
Lunes 9: Mesa redonda teatro, género y compromiso
Martes 10: Teatro Tecal - Bifurcaciones 
Jueves 12: Flores de Otoño - Memoria - Paz mayor
Viernes 13: La Pola -Suenan las campanas 
Sábado 14: Mujeres en el asfalto
Domingo 15: Ana María
Lunes 16: Diafragma Teatro - ¿Contraste?    
Martes 17: Sueños de juventud - Secreto a voces 
Miércoles 18: Abrazados - La maestra (Medellín) Inés Elvira - Cuarto Menguante   
Jueves 19: Ines Elvira - Cuarto Menguante - Mujeres en el asfalto - Revolución 1325

Sala Principal Teatro Delia Zapata Olivella. Cr. 6 Nº 10-76 Tel: 282 5402

Jueves 5: Laboractores - La mujer sola (Cali)
Martes 10: Grupo Cia Dansalut - Viaje al fondo del mar (España)
Miércoles 11: Danza árabe - Aglaura     
Jueves 12: Yu & Hiroko - Conejitos y la luna (Japón)
Viernes 13: Creak tivas - En pie (España)
Publicado en Colombia
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