Viernes, 15 Noviembre 2019 06:10

"En Chile torturan, violan y matan"

"En Chile torturan, violan y matan"

Mon Laferte en los Grammys Latinos: la denuncia en el cuerpo 

La artista chilena Mon Laferte llegó a la ceremonia de los Grammy Latinos, en La Vegas, con un saco negro.  En la alfombra roja, cuando cientos de medios internacionales se preparaban para hacer la foto de rigor, se abrió el saco, dejó sus tetas al descubiero y mostró un  mensaje escrito en su cuerpo: “En Chile torturan, matan y violan”. 

En el cuello llevaba un pañuelo verde, el símbolo por la legalización del aborto que se im

Luego, al recibir el premio al mejor álbum de música alternativa, leyó una décima de la poeta y payadora La Chinganera: "Chile me dueles por dentro/ me sangras por cada vena/ me pesa cada cadena/ que te aprisiona hasta el centro/ Chile afuera, Chile adentro/ Chile al son de la injusticia/la bota de la milicia/ la bala del que no escucha/ no detendrá nuestra lucha/ hasta que se haga justicia"     

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Integrantes de la iniciativa agrícola FarmHub, en el estado de Nueva York FARMHUB

La ciudad de Kingston, en el estado de Nueva York, está intentando construir un ecosistema local inclusivo y autosuficiente

 

Todo empezó con O+, un festival que ayuda a artistas a intercambiar su trabajo por prestaciones de sanidad ante la dificultad de acceder a seguros privados

 

"Cuando todo se vaya al carajo, no va a venir nadie a rescatarnos. Tenemos que encontrar una solución nosotros mismos", señala el director de la radio local

 

La ciudad de Kingston, en el estado de Nueva York, tiene una población diversa de 23.000 habitantes y está flanqueada en el este por el arroyo Rondout y el río Hudson y en el oeste por las montañas Catskill. Cuenta con una rústica ribera industrial, un colorido casco histórico y edificios de piedra de la época colonial. Cualquier viajero podría describirla como bucólica.

Las calles del centro están llenas de restaurantes y, desde hace un tiempo, tiendas de vestidos de terciopelo, ropa de segunda mano, productos medicinales elaborados con cannabis y teteras con pantallas LCD. Pero al pasar por la librería Half Moon Books, el visitante puede encontrarse con otro aspecto de la ciudad. El escaparate de la librería exhibe únicamente literatura de no ficción sobre el fin del mundo tal y como lo conocemos. "Comencé organizando un escaparate sobre utopías", explica la vendedora de libros Jessica DuPont, "pero no sé cómo acabé con libros sobre la agonía del capitalismo".

Hace poco más de una década me mudé a Kingston desde la ciudad de Nueva York, cuando se desató la crisis económica de 2008. Había terminado mis estudios en la universidad hacía tres años, pero mi incipiente carrera en los medios de comunicación se vio arrastrada por la recesión. Unas amigas mías, dos pintoras –una de unos 30 años y otra de más de 40–, eran propietarias de un edificio en el que estaba disponible un piso en la segunda planta. Allí podría vivir y trabajar.

Mis nuevos vecinos –artistas, músicos, dueños de tiendas o restaurantes, constructores, galeristas– me trataron como si fuera de la familia. Nuestra comunidad era diversa en cuanto a edad, pero todos teníamos ambiciones creativas e independientes en un sitio donde no abundaban las oportunidades económicas.

Así, muchos de nosotros nos encontramos con el mismo problema: la imposibilidad de acceder a un seguro de salud. Hace tiempo que el sistema de sanidad de EEUU es un desastre: lo era entonces y todavía lo es, porque aunque hay un sistema de sanidad público, los gastos extra y los copagos son astronómicos. Por suerte, entre nuestros amigos había médicos y dentistas que consideraban que nuestro trabajo era igual de valioso que el suyo. Entonces, se nos ocurrió algo. Basándonos en el viejo sistema de trueques, diseñamos una forma de intercambiar el arte de la medicina por la medicina del arte.

En octubre de 2010, lanzamos nuestro primer festival de arte callejero que duró todo un fin de semana, con música en vivo y eventos vinculados con la salud. Lo llamamos O+, como el grupo y el tipo sanguíneo. El público general podía participar mediante una donación. Los profesionales de la salud podían ofrecer su trabajo en una clínica que montamos en la calle.

Durante los siguientes años, miles de artistas como Lucius, Spiritualized y artistas locales que han tocado con los B-52’s y David Bowie, han recibido atención médica y dental valorada en cientos, a veces miles de dólares. Algunos artistas incluso afirman que la atención que recibieron allí les salvó la vida.

Poco después del primer O+, me marché de Kingston porque me surgió una oportunidad de empleo en otra ciudad. Ahora vivo en Savannah, en el estado de Georgia. Pero O+ siguió adelante. Los organizadores se han expandido para ofrecerle al público general más recursos: kits de rescate para sobredosis de opioides, formación en reanimación cardiopulmonar, conferencias sobre temas de salud y clases de bienestar que duran todo el año.

Algunos políticos locales o vecinos que no están de acuerdo con que se intercambie arte por atención médica y dental han intentando poner trabas, pero la causa siempre ha estado alimentada por un sentimiento de rebeldía y por la comprensión de que los artistas necesitan atención médica y de que el arte es bueno para la salud.

"Para cambiar el sistema a nivel nacional, hay que hacer miles de cosas a nivel local y en algún momento el sistema evolucionará", asegura el director ejecutivo de O+, Joe Concra, en cuyo edificio yo vivía cuando comenzamos el proyecto. Concra trabajó como voluntario a jornada completa durante años, hasta que gracias a becas y donaciones se pudieron pagar tres modestos salarios a jornada completa y siete de media jornada. "Cada vez que entro a la clínica, pienso: ‘Vaya, sí que es posible construir un sistema nuevo’. Me niego a creer que es imposible. Por eso seguimos trabajando en esto'".

La semana antes de la décima edición del festival O+, Concra y yo nos sentamos en la cafetería de Rough Draft, una librería independiente de Kingston que abrió en 2017 y a menudo es sede de eventos de organizaciones sin ánimo de lucro para recaudar fondos. Los tres empleados de la cafetería llevan camisetas de O+.

"Cuando comenzamos con esto", relata Concra señalándose a sí mismo, a mí y a la habitación, "no nos dábamos cuenta de lo que estábamos haciendo". Se pone de pie y corre al otro lado de la tienda para buscar un ejemplar de Sobrevivir al Futuro de David Fleming (2016), un tratado sobre comunidades sostenibles "en el marco de una economía de mercado" y abre la página en un capítulo llamado Carnaval. "Mira", me dice. "Estábamos creando un carnaval para la revolución".

Puede ser que O+ haya aportado el carnaval. Ahora ya no está solo en la revolución: la red de sanidad anticapitalista y antisistema de Kingston es solo un ejemplo de un modelo que podría reemplazar a las corporaciones en el país. Los vecinos han lanzado una cadena de radio no comercial, Radio Kingston WKNY, con una programación representativa de las comunidades locales que se emite gracias a grupos electrógenos si se corta la electricidad. También existe una micro-moneda regional llamada la Moneda Hudson Valley para "generar un ecosistema que nos incluya a todos", en palabras de su cofundador David McCarthy.

Iniciativas agrícolas como Farm Hub trabajan para lograr sistemas de alimentación fuertes e igualitarios. Una red de carriles bici conecta los pueblos con las granjas locales (para cuando ya no haya gasolina para los coches). Y organizaciones como RiseUp Kingston, Kingston Citizens, Nobody Leaves Mid-Hudson, y la Kingston Tenants Union facilitan la participación ciudadana, luchan contra los desahucios y promueven políticas públicas para combatir la cada vez más acuciante escasez de viviendas.

Visto desde mi casa en el sur del país, da la sensación de que, poco a poco, Kingston está montando la infraestructura de una comunidad autosuficiente, una comunidad que pretende sobrevivir a un posible colapso económico sobre el que bromeamos mientras bebemos cerveza en Rough Draft.

DuPont, la vendedora de la librería Half Moon, no cree que el vecino medio de Kingston esté activamente preparándose para una implosión social. "Pero sí pienso que las presiones económicas –especialmente cómo se han disparado los precios de las viviendas– están haciendo que la gente busque formar nuevas redes y maneras de apoyarse entre sí", señala. Mientras tanto, los directores de las organizaciones arriba mencionadas se enfrentan a preguntas como: "¿Cómo podemos asegurarnos de tener todos los recursos que necesitamos?" y "¿cómo hacemos para no dejar a nadie atrás?".

El primer fin de semana de noviembre, en una escuela de la ciudad, se organizó una conferencia llamada Sobrevivir al futuro: conexión y comunidad en tiempos de inestabilidad. "Prominentes pensadores de cambios en el sistema y transiciones" hablaron sobre temas clave para una "transición justa", inclusiva y holística del capitalismo hacia algo nuevo… lo que quiera que sea aquello.

Gran parte del trabajo es imaginar cómo se arma algo desde cero: en un panel sobre la vivienda como derecho humano, copresentado por Radio Kingston, O+, el Centro Comunitario LGTBQ Hudson Valley y otros, Callie Jayne de RiseUp Kingston explica modelos de trabajo para abordar su principal preocupación: la escasez de viviendas. "Si no se ha hecho antes, probablemente sea algo bueno, porque lo que hemos estado haciendo no ha funcionado".

"Me siento privilegiada por formar parte de las conversaciones de alto nivel sobre qué sucederá en el futuro", afirma el director ejecutivo de Radio Kingston, Jimmy Buff. "Aquí hay gente que está intentando encontrar una vivienda que no le cueste el 50% de sus ingresos o quedarse en viviendas en las que han vivido durante décadas y que la gentrificación no los obligue a marcharse del barrio. La crisis climática, la potencial agitación civil…¿Cómo nos organizamos a nivel local para abastecernos cuando todas estas cosas que parecen estar yéndose al diablo se vayan efectivamente al diablo?"

Yo me pregunto esto mismo constantemente. Pero en Savannah –una ciudad de 124.000 habitantes con una gran división racial y política y una tasa de pobreza un cuarto mayor que la de Kingston– formo parte de una minoría muy pequeña. En la radio no se escuchan conversaciones sobre igualdad ni están representadas las voces diversas de mi barrio. No he visto libros apocalípticos en los escaparates de las librerías. Cuando pienso en lo poco preparados que estamos para la crisis, echo de menos Kingston.

"Cuando todo se vaya al carajo, no va a venir nadie a rescatarnos", dice Buff. "Tenemos que encontrar una solución nosotros mismos, porque esta es nuestra ciudad. Aquí es donde vivimos. Esto es todo lo que tenemos".

Traducido por Lucía Balducci.

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 La artista colombiana Doris Salcedo, en el Hay Festival en Cartagena de Indias (Colombia), este año. Daniel Mordzinski

La artista colombiana, una de las más influyentes de América Latina, utilizará el dinero para su serie de instalaciones 'Actos de duelo', con las que rinde homenaje a las víctimas de la violencia

Considerada una de las artistas más influyentes de América Latina, creadora y a la vez activista por los derechos humanos y la paz, la colombiana Doris Salcedo (Bogotá, 1958) ha sido elegida ganadora de la primera edición del Nomura Art Award, el premio de mayor dotación económica del mundo del arte contemporáneo: un millón de dólares (unos 900.000 euros). El galardón, convocado por el grupo de servicios financieros japonés Nomura Holdings, Inc. con el fin de apoyar total o parcialmente la financiación de proyectos que de otro modo resultarían difíciles de llevar a término, anunció el nombre de Salcedo en una ceremonia celebrada este pasado miércoles en Shanghái. La artista, por su parte, adelantó que utilizará el dinero para sufragar los costes de sus Actos de duelo, una serie de instalaciones en la que lleva inmersa desde 1999, concebidas en recuerdo de los asesinados en el conflicto armado de su país y de todas las comunidades víctimas de la violencia.

La elección de Salcedo, realizada por un “jurado independiente e internacional” en el que destacan nombres como el de Max Hollein, director del Metropolitan Museum of Art de Nueva York, y Yuko Hasegawa, directora artística del Museo de Arte Contemporáneo de Tokio, se debe a la “importante significación cultural de su producción”, según anunció Nomura en una nota de prensa. “Es una noticia totalmente inesperada”, respondió Salcedo, “y me llena de una abrumadora humildad y gratitud por la generosidad y la responsabilidad que conlleva tan grande honor. Producir objetos capaces de honrar la memoria de las víctimas de la violencia requiere de grandes inversiones de tiempo y organización, a veces con numerosos colaboradores. Gracias a este premio, ahora seré capaz de avanzar mucho más rápido de lo que esperaba con un proyecto que es importante para mí, y que espero que tocará a muchas personas”.

La noción de duelo forma parte intrínseca del motor creativo de Salcedo. Como medio para la catarsis, sus obras buscan implicar no solo al espectador, sino al ciudadano en su sentido más abarcador para, a modo de acto simbólico, expiar el sufrimiento derivado de la violencia, entendida también en toda su amplitud. Esta idea de la atrocidad remite en muchos de sus trabajos al dolor provocado por el conflicto que se prolonga en Colombia desde 1960, y que ha afectado a millones de personas, muchas de ellas mujeres que han sufrido abusos sexuales. Sobre ellas versa uno de sus más recientes proyectos, Fragmentos, un espacio arquitectónico de arte y memoria en Bogotá o, como ella lo denomina, un "contramonumento" cuyos suelos se forjaron con 37 toneladas de armas fundidas entregadas por las FARC. Este centro compone una de las tres piezas artísticas que se acordó erigir tras los acuerdos de paz entre el Gobierno de Colombia y la guerrilla, y se ha convertido desde su apertura a principios de año en un agente activo por la memoria y el debate sobre el proceso de paz. “Lo primero que pensé cuando me llamaron para pedirme el encargo fue: ‘No”, explicó la artista a El País Semanal el pasado enero. “No quería trabajar con un material que ha causado tanto dolor. Decidí que no iba a emprender nada, pero cambié de opinión. Entendí que no compartía la forma en que se planteaba. Pensé que las armas no debían ser monumentalizadas. Destruí esa noción. No podía construir una obra jerárquica porque no buscamos una versión única de la historia”.

Recientemente, la colombiana, que fue nombrada a principios de 2019 doctora Honoris Causa de la Universidad Complutense, en Madrid, también ha trabajado en Pensilvania con familias separadas en la frontera de EE UU. Su último proyecto dentro de los Actos de duelo, titulado Quebrantos, vuelve nuevamente a buscar el contacto y la participación del público, convertido así en una herramienta más del hecho artístico. En plena plaza de Bolívar de Bogotá, el mismo lugar que acoge su espacio de Fragmentos, Salcedo ensalzó a los 500 líderes y activistas colombianos asesinados desde la firma del acuerdo de paz en 2016 hasta hoy. Usando fragmentos de vidrio como material, centenares de voluntarios escribieron los nombres de 165 de esos defensores de los derechos humanos sobre el suelo, en una suerte de ritual colectivo que intentaba expresar el luto y llamar a su superación. Tres años atrás, en 2016, Salcedo desplegó en ese mismo enclave una enorme lona blanca a modo de mortaja, una "acción de paz" que tituló Sumando ausencias, y en cuya construcción participaron 10.000 personas. “Llevo 30 años inmersa en el duelo, sobreviviéndolo”, apuntó la artista en la citada entrevista con EPS. “No se puede salir del túnel, pero encuentras héroes en el camino, aquellos que sufrieron nos arrojan luz”.

Por Silvia Hernando

Madrid 31 OCT 2019 - 18:00 COT

 

Video relacionado:

Quebrantos... reescribiendo los nombres de los ausentes

https://youtu.be/NvKK-iWEfI4

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Autorretrato

En el Museo de Arte del Banco de la República, en la sala denominada “La Renovación Vanguardista”, donde figuran obras de algunos de los artistas colombianos de los años 20 y 30 del siglo XX, hay una obra que, a primera vista, parece diferir temática y plásticamente del resto. Representa un malecón que se adentra en un mar tranquilo y termina en una escollera de piedras cuyo fin no alcanza a ver el espectador. Al comienzo del malecón hay una bandera italiana y, al final, algunas construcciones de madera que se antojan refugios de pescadores. Desprevenidos caminantes recorren la extensión en un sentido o en otro.

Cuando vi por primera vez esta imagen, vinieron a mi memoria los elegantes paisajes, llenos de bañistas, que algunos artistas de principios del siglo XX, como Raoul Dufy o Albert Marquet, habían hecho de las playas francesas. Su factura me pareció moderna y descomplicada. Esta obra, que se titula Marina (Viareggio, Italia), fue pintada por Eladio Vélez en 1928. Ante esta repentina aparición, surgió inevitablemente una pregunta: ¿Quién fue Eladio Vélez? ¿Por qué, al menos en una primera impresión, difiere tanto de algunos de sus compañeros de generación como Pedro Nel Gómez, Luis Alberto Acuña o Ignacio Gómez Jaramillo?

Eladio Vélez nació en Itagüí el 22 de septiembre de 1897. Allí realizó sus estudios primarios, aunque tuvo algunas estancias en Salgar (Antioquia). Las montañas antioqueñas le dieron el primer sustrato visual que luego desarrollaría como artista, especialmente en sus paisajes, y los valores de la familia lo rodearon del carácter típico de la región, que lo acompañaría durante toda su vida.

Su primer acercamiento con el dibujo se dio a través de la caricatura, pues ya a los 14 años, en 1912, colaboró como caricaturista en el diario El Bateo, de Medellín. Entre 1913 y 1916 estudió modelado y escultura en el Instituto de Bellas Artes de Medellín, la primera de muchas academias por las que pasaría durante su formación. Su vocación artística despuntaría definitivamente en el primer trabajo formal que tuvo entre 1918 y 1923: fue modelador y escultor en el taller de los Hermanos Carvajal, donde conoció y ejerció el oficio de artista, al cual habría de dedicarse por el resto de sus años. Mientras tanto, hizo parte activa de la vida cultural de Medellín en tertulias como la presidida por María Cano y en revistas como Cyrano, que circuló de 1921 a 1923 en la capital antioqueña.

Pronto el medio cultural paisa lo impulsó a conocer otras realidades, y con la intención de ampliar sus horizontes partió a Bogotá en 1924 para encontrarse allí con quien había sido uno de sus más importantes compañeros de formación, el pintor Pedro Nel Gómez. Allí juntos dieron a conocer sus acuarelas, técnica que habían aprendido y desarrollado en Medellín, y se involucraron con la intelectualidad bogotana, donde otros antioqueños como Luis Tejada ya habían hecho un camino y habían logrado concentrar varias de las nuevas tendencias de la plástica y la literatura.

En julio expuso en el hotel Regina una selección de óleos y acuarelas que lo erigen como uno de los más claros cuestionadores de la tendencia a la españolería que predominaba por entonces en algunos círculos burgueses de la capital y lo incluyen entre la nómina de nuevos artistas colombianos. En Bogotá permanecería hasta finales de 1925, cuando regresó a Medellín donde fundó, en compañía de Bernardo Vieco, una sociedad que se dedicaba a decorar edificios de la ciudad.

Sin embargo, aún le faltaba un paso imprescindible para la formación de un joven pintor de la época: el viaje a Europa. Vélez se embarcó para Francia en febrero de 1927. Llegó a El Havre y luego fue a París. Sin embargo, su sensibilidad, anclada en los grandes pintores del Renacimiento, lo impulsó para ir a Italia, adonde partió muy pronto. En abril se encontraba matriculado en la Academia Real de Roma y en julio se trasladó a estudiar en la Academia de Bellas Artes de Florencia.

En diciembre recorrió Italia en compañía de Jorge Eliécer Gaitán y en julio de 1928 participó en la exposición que junto con Pedro Nel Gómez organizó en el Círculo Internacional de Roma con el nombre de “Exposición de los Artistas Centro y Sur Americanos”. Algunas diferencias estéticas durante este evento hacen que rompa para siempre la amistad con Pedro Nel, con quien mantendría algunas disputas hasta el final de sus días. Como lo resume Elkin Alberto Mesa, en estas disputas “vemos a Eladio Vélez como un revolucionario dedicado a la pintura y a Pedro Nel Gómez como un pintor dedicado a la Revolución”**.

En abril de 1929 retornaría a París, en donde estudió en las Academias Julien y Colarossi y trabajó como asistente en el taller de otro notable antioqueño que a la sazón estaba instalado en París: Marco Tobón Mejía. En 1930 fueron admitidas dos obras suyas –una pintura y una escultura– en el Salón de la Sociedad de Artistas Franceses, donde también expusieron otros artistas colombianos como el mencionado Tobón Mejía, además de Andrés de Santa María y Efraín Martínez, entre otros. En junio de 1931 regresó a su patria, a Medellín, donde permanecería durante el resto de su vida.

Muy pronto, Eladio Vélez desempeñó un papel activo en la vida artística de la ciudad. En 1932 fue nombrado profesor de dibujo y pintura de la Escuela de Bellas Artes de Medellín y en 1934 asumió la dirección de la Escuela de Pintura y Dibujo del Instituto de Bellas Artes en reemplazo de su antiguo amigo Pedro Nel Gómez. Fue profesor de esta Escuela hasta 1944, cuando se retiró de manera definitiva y se consagró a al desarrollo de su obra.

En 1941 había participado en el Segundo Salón de Artistas Colombianos, donde sus obras llegaron a ser finalistas para el primer premio de pintura. En lo personal, en 1938 se había casado con Inés Jaramillo Vieira con quien tuvo dos hijos: Sergio Augusto, quien nació en 1940 y murió al poco tiempo, y Alejandro, abogado y criminólogo asesinado por las Farc en 2000 en el municipio de Argelia, donde se desempeñaba como juez.
También hizo parte de la Asociación de Escritores y Artistas de Colombia, la cual presidió desde 1956. Desde ese cargo promovió y organizó el I Salón de Artes Plásticas de Antioquia, el cual se llevó a cabo en el Museo de Zea de Medellín entre el 12 y el 30 de octubre de 1956. En 1960 sufrió un derrame cerebral que le dejó como secuela una parálisis facial parcial. Siguió frecuentando los salones nacionales y regionales hasta su deceso, acaecido en Medellín el 24 de julio de 1967. Su obra fue exhibida en múltiples exposiciones después de su muerte y su legado sigue estando vigente en publicaciones sobre el arte colombiano del periodo.

Vélez fue un conocedor profundo de la pintura de su tiempo y, aunque al margen de las tendencias indigenistas de su época, supo refrescar las técnicas pictóricas demasiado depuradas de la academia que habían reinado en los primeros 20 años del siglo XX. En su obra pueden evidenciarse influencias disímiles como la del maestro Francisco Antonio Cano, de quien fue discípulo, pero también de los maestros del Renacimiento italiano y de los Machiaioli, quienes renovaron la pintura italiana a mediados del siglo XIX y cuyas obras deslumbraron al pintor cuando, a los 30 años, pisó suelo italiano. Su protagonismo en escuelas como la de acuarelistas antioqueños de los años 30 y su posterior trayectoria en el arte antioqueño lo hacen merecedor, sin duda, de un lugar destacado en la historia del arte colombiano del siglo XX, a pesar de que sus obras se alejen del estilo preponderante entre sus compañeros de generación. no iodo. Vsco Antonio Cano, de quien fue dis evidenciarse influencias dis periodo.

 

* Esta semblanza biográfica se encuentra basada principalmente en las investigaciones de Miguel Escobar Calle y de Jorge Cárdenas para las cronologías de los catálogos que figuran en el primer y el último lugar de la bibliografía, respectivamente
** Elkin Alberto Mesa, “Eladio Vélez, artista formidable”, en Eladio Vélez, pp. 24-25.

 

Bibliografía:

Biblioteca Luis Ángel Arango del Banco de la República. Paisaje, frutas, retrato : Eladio Vélez 1897-1967. (Cronología de Miguel Escobar Calle). Bogotá: Banco de la República, Biblioteca Luis Ángel Arango, 2002.
Medina, Álvaro. El arte colombiano de los años 20 y 30. Bogotá: Colcultura, 1995.
Vélez, Eladio. El legado del maestro : catálogo publicado con motivo de la inauguración del nuevo edificio para el Instituto de Bellas Artes. Medellín: Sociedad de Mejoras Públicas de Medellín, Instituto de Bellas Artes, 1994.
Vélez, Eladio. Eladio Vélez. (Artículos Elkin Alberto Mesa, Darío Ruíz Gómez ; investigación y documentación Ana Ligia Pimienta Estrada, Carlos Mario Posada Arango, John Jairo Ospina Vargas y Jorge Cárdenas; fotografía de la obra Rosa Restrepo; Ramiro Posada). Medellín: Alcadía de Itagüí, Área Metropolitana del Valle de Aburrá, Escuela de Arte Eladio Vélez, 1994.

Publicado enEdición Nº262
Un relato desde el arte de los imaginarios de Ciudad Bolívar. “Somos importantes”

La inauguración del Transmicable en la localidad de Ciudad Bolívar –Bogotá–, además de significar el cumplimiento de una promesa tardía para las comunidades entorno al transporte público, implica un reconocimiento del territorio desde otros ángulos, donde el papel del arte es fundamental.    

Después de varios años de planeación, rediseño, peleas institucionales, y en medio de una disputa entre alcaldes (de antes y de ahora), fue inaugurado a finales del año 2018 el Transmicable en Bogotá,un nuevo medio de transporte público para uno de los sectores que integran la localidad de Ciudad Bolívar, obra aprovechada para que la administración distrital impulse el voyerismo turístico en las periferias de la ciudad.

El paso del tiempo dirá si para los habitantes de Ciudad Bolívar esta obra significa el tan anhelado cambio social y económico que tanto proclama el actual gobierno de la ciudad.

 

Apropiación territorial desde el arte colectivo

 

La nueva obra motivó al gobierno distrital a invertir algo para la mejora del entorno que cubre el cable, en particular en el barrio Juan Pablo II. Para ello, convocó a través de la Secretaria de Cultura (Scrd), a que diferentes procesos artísticos de la localidad de Ciudad Bolívar, como otras localidades, se presentaran para la realización de propuestas de intervención artística desde el muralismo y el graffiti.

Las propuestas por plasmar en las paredes del sector se proyectaron con un carácter participativo y se articularon constantemente con la comunidad y los habitantes del barrio en mención, con el objetivo de aportar a la construcción de un corredor artístico que tiene la proyección de transformar los imaginarios del territorio.

En este contexto, Rasgos de mi Barrio1se convierte en un laboratorio coparticipativo de arte urbano, que integró a diferentes miembros de la comunidad en un proceso de co-creación para el diseño de un relato colectivo que se materializó en dos intervenciones artísticas: el techo y la fachada de la casa de don Germán Sandoval. 

Este relato se construyó en medio de un proceso artístico y pedagógico a partir del diálogo y las reflexiones sobre la identidad territorial y la construcción de nuevas historias. Relato que partió de un ejercicio de mapas emocionales, que nos llevaron a preguntarnos sobre la construcción de nuevas formas de comunicación, cuidado, conservación y apropiación. Nos apoyamos para ello de una serie de ejercicios desde las prácticas del Street Art,como el cartel y el sticker, medios de expresión y, a su vez, herramientas para la construcción de una historia visual en la cual se expusieron intereses y anhelos comunitarios que nos llevaron a consolidar un relato sobre la importancia que tiene cada uno de sus habitantes para la localidad de Ciudad Bolívar. 

 

Las historias y el relato 

 

La intervención que dio lugar al relato (El relato de la intervención...) construido entre la comunidad y el colectivo ArtoArte, se divide en dos momentos: el primero, la quinta fachada o techo y el segundo, la fachada de la casa. Estos relatos expuestos en la vivienda de don Germán son mensajes que aluden al pasado, presente y futuro del barrio. 

Es importante señalar que don Germán es ¡el sastre del barrio! Oriundo de tierras tolimenses, llegó cuarenta años atrás a la localidad en busca de una mejor vida. En principio no creyó que el oficio de la sastrería le permitiría ayudar a que su familia saliera adelante, pese a lo cual hoy continua haciendo trajes de paño y remendando ropa. Con algo de desconfianza e incredulidad don Germán nos dio permiso para poder transformar el tejado y la fachada de su casa2

Para la construcción del relato dimos prioridad a la imaginación y a la memoria,  recursos, motor creativo, de las diferentes historias narradas por sus habitantes. Mientras que los ejercicios de imaginación dieron como resultado visiones, apreciaciones y maneras de vivir el territorio, los trabajos de recurrir a la memoria mostraron experiencias y hechos del pasado.

El techo (quinta fachada) expone el resultado de ejercicios de creación de personajes y producción de stickers o calcomanías, en los que los jóvenes, niños y adultos del barrio identificaron y propusieron sitios característicos del barrio, personajes de reconocimiento territorial o actividades propias de su entorno. La intervención del techo surge como una apuesta desde el colectivo ArtoArte para recurrir a la imaginación y mostrar un mundo irreal, con personajes creados por sus habitantes, pero con un anhelo propio de la realidad local. De esta manera, el techo se convirtió en una propuesta gráfica en pro de cambiar los imaginarios del sector e invita a ver la localidad desde otras perspectivas. 

La imagen principal de la quinta fachada es la ilustración de un niño del barrio, el cual lleva una gorra que alude a la Plazoleta del Sapo, espacio de gran importancia para los habitantes de Juan Pablo II, porque representa la memoria y reivindicación de los jóvenes asesinados en los años 90 por la violenta y mal llamada “limpieza social”, que algunos habitantes y comerciantes patrocinaron3. La actitud del niño expresa alegría y confianza: con su mano derecha da la bienvenida a las personas que pasan en el cable por encima de la casa de don Germán; lo acompañan alrededor suyo diferentes personajes ilustrados al estilo doodle, los cuales representan imaginarios, microhistorias territoriales y recuerdos de personajes populares del barrio. 

En la fachada de la casa, en cambio, sobresale una serie de imágenes a modo de cómic, que juegan con el pasado y el presente del barrio, que al momento en que la pintura permite el rompimiento de la temporalidad, los personajes del pasado se presentan en el ahora, ya no como sujetos vivos sino más bien como representaciones de la experiencia que operan en las dinámicas del presente y el pasado. 

El oso, el ave y la campesina cargando su bebé son ejemplos de una narración que nace desde lo real, pero que habita en la memoria de quienes llegaron y han habitado el barrio desde hace más de 30 años, como sucedió con don Germán y su familia. En este caso, son los recuerdos de los habitantes que se apropian del presente para revivir mediante un espectáculo de imaginar el pasado y contribuir a la percepción urbana. 

Otros elementos del presente que acompañan la fachada son personajes de la fauna del barrio, como el perro, que cohabita en el territorio. Del mismo modo, las montañas representadas en la fachada nos muestran la característica geográfica de la localidad. La joven que toma una foto al oso que bebe agua, es la representación del anhelo de los habitantes por conservar lo que queda de la riqueza ambiental, víctima de la explotación minera que desde finales de los años 60 padece la localidad de Ciudad Bolívar, producto de la intervención de grandes compañías mineras como Cemex, Holcim y la Fundación San Antonio4

 

¿Por qué Somos Importantes?

 

Rasgos de mi Barrio abrió las puertas al diálogo, la reflexión, la creación y, sobre todo, a la sensibilización de diferentes sujetos que desde sus experiencias y recuerdos aportaron con elementos e ideas en la construcción de un relato con dos tipos de narraciones.

Rasgos va más allá de la intervención mural y se transforma en un proyecto interdisciplinar entre el arte y las humanidades, cuyo resultado es la integración de la comunidad a los procesos estéticos de renovación y transformación de sus espacios vecinales y de reconocimiento comunitario. A su vez, los relatos elaborados también son un medio para mostrarse frente al otro, a todo aquel, visitante o no, para conocer la realidad del territorio. 

Somos importantes, frase que acompaña la fachada y los relatos, alude a que todos los pobladores de Ciudad Bolívar son esenciales en el cambio social y cultural de la localidad, más allá de las transformaciones urbanísticas y de las acciones descontextualizadas de la institución. Es la participación de sus habitantes, con sus imaginarios, memorias y capacidad de organizarse, lo que configura y transforma el territorio, dándole una identidad propia, de cara al presente y al futuro que ya se manifiesta con todas las transformaciones de índole social, económica y cultural.

 

*Integrantes del colectivo Arto Arte

1Ver:https://www.facebook.com/Rasgos-de-Mi-Barrio-242885959731010/?modal=admin_todo_tour

2Ver video Rasgos de Mi Barrio en: https://www.youtube.com/watch?v=Oduf3OompBE&t=96s 

3Ver: https://pacifista.tv/notas/como-funciona-y-quienes-son-responsables-de-la-limpieza-social/ 

4Ver: https://www.elespectador.com/impreso/articuloimpreso177980-un-problema-minero-ciudad-bolivar

Publicado enEdición Nº260
Eusebio Leal, Historiador de La Habana. Foto: Yander Zamora/ La Tiza

 “El que conoce lo bello, y la moral que viene de él,

 no puede vivir luego sin moral y sin belleza”.

José Martí

 

Frente al Historiador de La Habana, Eusebio Leal, se han sentado decenas de personas con el propósito de entrevistarle; de incontables formas se ha recabado su opinión acerca de “lo humano y lo divino”, lo inmaterial y lo tangible. Cuando una sabe que tendrá la posibilidad de estar en ese rol, al inmenso honor se le suma una igual dosis de ansiedad.

¿Qué pregunta, entre todas las deseadas, presentarle? ¿Cuál, que no sea reiterativa? ¿Cómo deslindar y establecer en tan poco tiempo un puente entre su obra de rescate patrimonial y la promoción de una cultura de diseño en el entorno visual del Centro Histórico habanero?

Ante la condicionante de su escaso tiempo es preciso ir a las esencias y centrarnos en el factor común que caracteriza el trabajo de la Oficina del Historiador al intervenir un inmueble, un espacio abierto o editar una publicación: la estética de lo bien hecho.

 La belleza, en su relación con el diseño, no es resultado de una acción cosmética, de una convocatoria a destiempo para poner “lindas” las cosas. En cambio, un producto de buen diseño irradia belleza en la armonía que integran su expresión material, el uso al que invita, las ideas que representa. ¿Cómo se forma en usted la noción de lo bello?

— Para empezar, habría que tomar como exergo ese hermoso poema cantado de Silvio Rodríguez, cuando pide que el rabo de nube se lleve lo feo y deje con nosotros lo bello.

“Lo bello siempre es una relación misteriosa entre nosotros y lo que admiramos, pero no cabe duda de que eso también es fruto de una educación y de la interacción con una serie de señales que nos van marcando pautas.

“Cuando era niño, en la escuela se nos pedía hacer diseños con papelitos de colores, algo parecido al origami japonés. Aquello era una sugerencia para el uso del color y de la forma, para la búsqueda de una estética de la vida cotidiana, que es para mí la cuestión fundamental.

“Hay una necesidad de transmitir a todas las generaciones ese culto a la belleza. Para ello el diseño debe entrar en el universo del hogar y estar presente en los cubiertos, la loza, el vestuario.

“Hace años una gran amiga, Nisia Agüero, realizó grandes esfuerzos por llevar el arte y el diseño a los tejidos. Enseñanzas como esa ayudaron a formar en nosotros —la Oficina del Historiador— una urgencia por decir nuestra palabra a partir de una política: incorporar el diseño a las diferentes esferas de nuestro quehacer. Así lo hicimos con las publicaciones, es algo en lo cual ha trabajado mucho (Carlos Alberto) Masvidal, Premio Nacional de Diseño y que se ejemplifica en los títulos de nuestra casa editora Boloña o en los números de la revista que testimonia nuestra labor, Opus Habana.

“También hemos integrado el diseño a la concepción de una moderna versión del museo que trasciende la muestra de la colección y apuesta por la interactividad; es lo que hemos desarrollado en el Palacio del Segundo Cabo.

“De igual manera, en la nueva museología didáctica dirigida a los niños y jóvenes del Centro a+ espacios adolescentes, hay todo un diseño que aprovecha los códigos de la antigua fábrica que existía donde hoy está enclavada la institución, para hacer un discurso de la belleza en el mundo fabril.

“Hemos tratado de incorporar estos principios en la concepción de una vivienda decorosa y digna, para lo cual hacemos algo más que levantar paredes, dentro de los límites que imponen las carestías. Soy de los que creen que con poco se puede hacer mucho”.

Sin necesidad de pausas para rebuscar en el pasado, Eusebio elige entre sus memorias una vivencia muy peculiar, que ejemplifica su afirmación.

“En la antigua casa de la Obrapía, que no era lo que conocemos hoy sino un edificio habitado, un gran solar lleno de barbacoas y laberintos, vivían unos amigos que precisamente trabajaban en una revista. Un día me invitaron a que comiera en su hogar y, al llegar, me encontré algo inconcebible. Habían arreglado todo usando cajas y otros objetos que las personas desechaban, armonizando colores; tenían una jaula de güin con un canario, una mesita con sus cuatro sillas diferentes… Ellos me demostraron que era posible, con escasos medios, construir un pequeño espacio de felicidad. Con poco se puede hacer algo útil y bello, siempre y cuando bien se utilice.

La Oficina del Historiador ha apostado por expresar ese maridaje entre forma y función a través de obras de alto impacto social. Así vemos viviendas, escuelas, centros de atención a adultos mayores o a menores de edad que son referentes tanto estéticos como en los servicios que prestan. ¿Cómo se llega a este concepto?

— Es el resultado de una evolución; siempre he negado que sea la obra de un iluminado, rechazo para mí el protagonismo absoluto en estas cuestiones. Tenemos varios puntos desde los cuales florecen iniciativas que se expresan en proyectos como el de “a+”, uno de los más importantes, en mi opinión.

“La manzana donde se ubica el Centro —delimitada por las calles Teniente Rey, Habana, Muralla y Compostela— era un amasijo en el que se encontraban una antigua fábrica de medicamentos, otra de envases, unos depósitos de alcohol; lo que había sido el colegio de José de la Luz y Caballero1 se había convertido en un taller de reparación de vehículos… Todo aquello había sido anarquizado, nada tiraba en una sola dirección.

“El nuevo proyecto se concibió como un desarrollo armónico en el cual habría viviendas, se restauraría la farmacia, rescataríamos la huella positiva del pasado que era la escuela, pero quedaba una piedra por solucionar: la vieja fábrica.

“Ahí se diseñó el Centro de Adolescentes. La dirección de Arquitectura y Urbanismo de la Oficina del Historiador, particularmente ese equipo que trabajó con el arquitecto (Orlando) Inclán, hizo un trabajo precioso, dejando toda la maquinaria industrial a la vista, la viga de hierro transformada con un cambio de color, las ruedas dentadas… Rescatar y mostrar el patrimonio industrial es importantísimo”.

De la descripción del proyecto hecho realidad Leal pasa, casi sin transición, a hablarnos de un nuevo anhelo; como si para él no hubiera posibilidad de conformarse mientras exista un lugar relevante opacado por el deterioro o la infrautilización.

“Sueño con el gran edificio de la fábrica de electricidad2 convertido en un centro de arte moderno, donde toda esa antigua tecnología pueda dar una explicación de sí misma y nos introduzca a un mundo donde ya no habite el silencio sino la cultura, la conferencia, el trasiego de las personas de un lugar a otro. Lograr introducir esos códigos en las nuevas generaciones es trascendental, sobre todo ante el avance de una degradación de la ciudad.

“En distintos lugares vemos cómo va surgiendo un tipo de arquitectura desorientada donde la gente busca resolver sus problemas, pero no hay una palabra que le diga ‘esta es la línea, este es el pequeño espacio de caminar, aquella el área verde, así la fachada’. Se trata de una arrabalización que ignora lo bello como necesidad incorporada a la necesidad elemental de tener un techo”.

 Ante esa proliferación de ambientes anárquicos, ¿cuán necesario resulta hacer del diseño un componente más activo en el modelo de prosperidad que queremos construir?

— Primero he de decir que no se puede convertir en consigna o en esquema grabado en lápida algo tan serio como aspirar a un socialismo próspero y sostenible. ¿Cómo puede ser próspero y sostenible nuestro modelo, si no se desatan las manos de la creatividad, si no se establece un diálogo perenne con la realidad. ¿De qué manera lograrlo si primero no se pone la mano en el corazón de la necesidad, si de pronto un acontecimiento extraordinario —como el tornado que castigó gran parte de capital cubana el pasado 27 de enero— nos pone de manifiesto y nos tira sobre la mesa las enormes necesidades acumuladas en la gran concentración que la ciudad supone, quizás una de las más grandes en esta latitud de las Antillas?

“Cuando yo hablo de la monumentalidad de La Habana nunca me refiero al Centro Histórico, porque siempre he afirmado que tiene muchos centros históricos, como Luyanó, otros espacios de Diez de Octubre, La Lisa… En cada uno de ellos se ha manifestado la originalidad y la creatividad de generaciones para construir un diseño orgánicamente previsto desde el día en que nace la ciudad, cuando se orienta que las calles deben caminar de norte a sur, buscando los vientos; la plaza será lugar de reunión; la fuente servirá para buscar el agua, lavar la ropa y dar una imagen de tranquilidad en la relación del hombre con el agua.

“Creo que esa noble aspiración a la que todos queremos contribuir (el socialismo próspero y sostenible) tiene que basarse sobre esos parámetros. La ciudad no es un campamento, es algo más; precisamente, el campamento ha quedado atrás, la ciudad es una expresión superior; hay una racionalidad en su diseño que no puede ser omitida, ni tampoco pretender que sea homogénea. Cada barrio tiene su personalidad, cada invisible frontera aporta un carácter diferente, una forma de conducirse, de expresarse, de ver el mundo.

“Hay una síntesis de ese diseño en el gran paseo de la 5ta. Avenida, donde cada cierto tiempo los árboles cambian, cada tramo tiene su especificidad; por un momento vemos las palmas de corojo, luego aparecen las palmas barrigonas, en un punto están las acacias nudosas, en otro lado la araucaria… esa es la ciudad”.

La media hora acaba. Otros compromisos esperan por Eusebio. Nos despedimos reticentes. Una siente que a este entrevistado excepcional habría que haberle preguntado por el decoro, la Patria, la humildad, la migración, la escuela, los pregones, las tradiciones o el café; por La Habana Vieja que renace o La Habana nueva que envejece. Del otro lado, con la hidalguía indeclinable que su eterno traje gris no puede esconder, habríamos recibido siempre una respuesta generosa, sabia, intensa.

Pero una comienza y termina hablando de “lo bello” porque, como dijera a La Tiza el Premio Nacional de Diseño, Carlos Alberto Masvidal, en la Oficina del Historiador la belleza funciona, y bella es la obra de conservación patrimonial emprendida por esta institución, la cual nos permite amar y vivir una ciudad de 500 años con su bullicio, su eclecticismo y sus sábanas multicolores —ya nunca más solo blancas— izadas en los balcones. Porque bello es el legado de este Historiador dedicado a la restauración de las esencias de una urbe y de los sueños de quienes la habitan. Porque bello es ser leal al propósito de levantarse cada día para hacer de Cuba un país mejor, ser leal desde la médula, desde el apellido.

 

17 agosto 2019 |

Notas:

1 Antiguo colegio El Salvador, hoy escuela primaria. 

2 Edificación de Tallapiedra.

(Tomado de La Tiza)

Publicado enCultura
Lunes, 29 Julio 2019 09:06

Los prodigios del lápiz

La Alfarera

Esteban Ardila dibuja desde que tiene memoria. Con tres años de edad los lápices ya eran sus amigos de juego. Y también su forma de expresión. Hacía retratos de quienes le rodeaban. Sus padres acompañaron la vocación tempranamente definida. Después, poco a poco, fue apareciendo en su espíritu creador la escultura, la elaboración de máquinas insólitas, y el cine. La profesora Elena, del taller de artes plásticas en un colegio liberal, sumó el aliento y el impulso decisivo para sus estudios universitarios en artes gráficas.

Con ocho años realizó su primera actuación y su primer corto: “Charles Chaplin en problemas”. En Señal Colombia apreciaron el trabajo pionero, el mismo que han pasado muchas veces.

En la actualidad trabaja cómo director de artes en una animación. La artesanía virtual exige la elaboración de los personajes con moldes de arcilla, estructuras de alambre y látex. No es casual que la obra múltiple, diversa y genial del gran Leonardo Da Vinci cautivase pronto la pasión de estudio de este joven creador.

Cuando la perfección técnica se encuentra con la visión que busca el cauce expresivo, emerge la personalidad artística. En un país en el que la juventud ha sido sacrificada en los altares de Mammón y condenada a los míseros antros del odio y de la guerra, la irrupción de jóvenes creadores habla por sí misma con formidable voz de lo que significan las artes, las ciencias, el amor, y la sabiduría en el cuidado de nuestra niñez.

Publicado enEdición Nº259
Domingo, 30 Junio 2019 14:40

QUEVEDO SIGLO XXI

QUEVEDO SIGLO XXI

Érase un alguien a un celular pegado
érase un estar enajenado.
Conectado el alguien
a un happening perpetuo
que lo lleva al olvido
del pasado
le evita el futuro
imaginado
y lo colma de un presente
alucinado.
Inocente ante el riesgo
y ante las amenazas ciego.
Aquí  Click y Like.
Ahora la humanidad toda
esclava de un ícono sonriente
que imperativo
la tiene asida
a su virtual diente.
Y tras del diente
se esconde
tenebro agente
en busca sin final
de una cifra exponencial.

Garcilar

 


La dura realidad del fútbol femenino

Las jugadoras que participan en el Mundial de Fútbol Femenino en Francia (MFM), se quejan del bajo monto del premio para el equipo campeón, cifrado en 50 millones de euros, cifra que para el caso de sus pares maculinos asciende a los 400 millones, realidad injusta pese a que ellas llenan más estadios que los tradicionales equipos que por cerca de un siglo se abrogaron este deporte como un derecho exclusivo.

Adicionalmente, según la encuesta Global Sports Salaries Survey 2017, el salario que actualmente gana Neymar –43,8 millones de dólares año– equivale al salario de 1.693 mujeres futbolistas, de las ligas de Estados Unidos (EU), Gran Bretaña, Suecia, Australia y México.

Es por la previvencia de este tipo de injusticias, que algunas jugadoras no asistieron al certamen mundial, sentando su voz de protesta ante la discriminación respecto al fútbol masculino. Todo ello en medio de presiones, como las conocidas en Argentina, donde amenazaron de muerte a una jugadora porque denunció que a algunas de ellas, integrantes de diferentes equipos del país sureño, no les pagan sus salarios.

Las jugadoras de la selección de fútbol femenino de EU demandaron a la Federación que regula ese deporte en su país por discriminación de género en el pago de salarios, exigiendo igualdad salarial e idénticas condiciones de trabajo, pero la Federación consideró que “las necesidades del mercado son tales que las mujeres no merecen que se les pague por igual que a los hombres”*.

Fútbol femenino en Colombia

En Colombia, el fútbol femenino existe desde 1895, pese a esto, más de un siglo después la mentalidad patriarcal de los dirigentes, periodistas y sociedad en general, ha impedido su desarrollo, pues según muchos de los dueños de los equipos profesionales esta modalidad no es rentable, no tiene auspiciantes, no llena estadios y es mediocre.

En la actualidad hay futbolistas que devengan entre dos y tres millones de pesos al mes, sin embargo son la minoría, ya que gran parte de las jugadoras ganan menos de un millón y otras muchas apenas perciben el salario mínimo o incluso menos –eso cuando les pagan–. Existe otro sector de jugadoras, las conocidas como “Aficionadas a prueba”, que no obtienen ningún salario y se dice que la razón de jugar, más allá de la diversión, son posibles becas de estudio en EU. Todo esto genera burlas, acosos en los camerinos y opiniones “entendidas” de comentaristas deportivos que no le ven sentido a que “mujeres participen en un deporte  de hombres”. El machismo siempre está presente.

Esta realidad de machismo perdurable, exclusión, negación de derechos, exclusivismos, negacionismo, imposiciones, explotación laboral, etcétera, trae consigo múltiples preguntas: ¿Una mujer musulmana puede jugar fútbol o existe alguna parte del Corán que lo prohíba? ¿Si una mujer india se pone pantaloneta los brahmanes la repudiarían? ¿Será que los relatores y comentaristas del fútbol dejarán su micro-machismo cuando trasmiten un partido femenino? ¿Será que en América Latina dejarán de insultar a jugadoras, entrenadoras y árbitras? ¿Por qué hay tan pocas mujeres en puestos de dirección de la Fifa y sus federaciones nacionales? ¿Será que el patriarcado que domina en el fútbol colombiano, sin interés real por el mismo –“porque no es rentable”–, aceptará su crecimiento y consolidación? La Copa del Mundo de Fútbol femenino que se juega en Francia se plantea que sea el evento más grande de esta modalidad en su historia, y que repercuta en todos los países, ¿será que el patriarcado del fútbol permitirá que así sea?

Todo esto nos recuerda que vivimos significativos momentos de lucha y cambio a lo largo del mundo, y de ello no escapa el deporte, en particular el referido a la pelota chica. No hay duda, el ascenso del fútbol femenino va de la mano con los avances y las luchas de las mujeres por todo el mundo, del #NiUnaMenos o del #MeToó, de las huelgas de mujeres el 8 de marzo y, con seguridad, su lucha logrará sus propósitos, ojalá evitando una cosificación e instrumentalización total de sus practicantes profesionales, como es la norma entre los hombres. Una práctica deportiva cada vez más abierta a la diversión, el descanso, el encuentro, el goce, y similares, es un reto social-comunitario en el cual las mujeres tienen un camino por labrar a favor de la humanidad toda.



*Ver en: https://www.bbc.com/mundo/deportes-47506067

Publicado enEdición Nº258
Un arte que se comparte: El sentido de lo falso en F de fake (1973) de Orson Welles

Si los conceptos de “arte” y “ciencia” deben de estallar y expandirse, y si las realidades que ellos designan ahora deben ser reintegradas y reabsorbidas y disueltas nuevamente en la vida cotidiana, y en todo el tejido social de las sociedades actuales, así también deben de morir las artes y las ciencias actuales. Pero no para desaparecer por completo, como en cambio sí deben hacerlo la política, o la religión, o las clases sociales, sino más bien para reintegrarse a la vida social y cotidiana de todos, haciendo de todos los individuos artistas, y haciendo de todos los seres humanos científicos, y agregando a todas sus actividades, sus correspondientes elementos o aristas artísticos y científicos, para hacer de la vida de cada ser humano una verdadera “obra de arte” y una real “obra de ciencia”.

Martes, 30 Abril 2019 10:48

Camina Soñando

Fotografías: Jhony Pinzón Triana, Colectivo ArtoArte.

Los muros de la estación Avenida Primero de Mayo, al sur oriente de Bogotá, cuentan parte de la historia de la localidad cuarta de San Cristóbal, la cual habla y camina soñando en medio de colores. El Colectivo Arto Arte invita a conocer esta obra y al mismo tiempo preguntarse por la ciudad y su historia.

 

Camina soñando es una intervención mural que se pretende convertir patrimonio local por la forma en que se construyó su concepto y todo el contenido histórico y de identidad que carga consigo. La propuesta de mural fue creada por habitantes de la localidad Cuarta de San Cristóbal, en un ejercicio de reconocimiento propio, de la historia local y sus elementos de identidad; de aspectos personales y naturales que hacen sentir su paisaje, su historia, su trasegar y su construcción.

Como muchas localidades y regiones del país, la historia y construcción de la localidad de San Cristóbal está trazada por el trabajo familiar y obrero –generalmente explotado–, de miles de personas que trabajaron sin descanso en los chircales, para llenar de ladrillos –trabajados por mucho tiempo de manera artesanal– el proceso de modernización y de construcción de la ciudad.

El paso del tiempo dejó en el olvido esta historia de las fábricas de ladrillo artesanal que existían entre la primera mitad de siglo XX (años 50), de las cuales quedan cuatro buitrones (chimeneas gigantes), que representan ese portal inter dimensional del pasado al presente. El proyecto Conectando Primero de Mayo (1) del Colectivo Arto Arte (2), posibilitó volver a rememorar esta historia.

 

Tejiendo memoria en comunidad

 

Esta propuesta colectiva contó con el apoyo de los habitantes del barrio Sosiego, quienes abrieron sus puertas para generar espacios de diálogo amenos y en confianza, donde muchos se enteraron de algunos aspectos de la historia local y así mismo se construían algunas pistas de lo que configura la identidad local, mediante el auto-reconocimiento, y el reconocimiento de la colectividad de la que se hace parte.

Conversar acerca de la identidad llevó a identificar esos elementos que parecieran permanecen inmutables en el tiempo y que llevan a afirmar la vitalidad del espacio cohabitado como el territorio, y dentro de este las montañas, el río Fucha, el clima frío, la música y sus habitantes, que muchas veces cuentan con una historia común, la misma que hace parte de una lucha permanente por el reconocimiento de los derechos que se expresa en la cantidad de organizaciones sociales y de carácter artístico y cultural que brotan como las plantas de páramo de la localidad.

Es así como la historia de un mural pasa a ser parte de la historia de la localidad, con las montañas de lienzo, que representan la permanencia del pasado en el presente y sobre el cual se sigue construyendo. Allí, en ese mural están los colores de la vida y del recuerdo, la memoria que se mantiene a pesar del tiempo, que fluye sin detenerse, y de esta manera van apareciendo los cuadros de lo que somos y lo que hemos venido siendo, como una historia que se construye con fotografías que nos cuentan de nosotros mismos.

 

Camina soñando

 

Los personajes principales del cuadro son la vida del agua que viaja bajando de la montaña y la vida que es gestada y transmitida de generación en generación entre aquellos que marcamos día a día el camino del territorio, que se representa con una madre que sostiene la esperanza de esa vida sobre sus manos.

La vida misma y la identidad, sin embargo, no tienen mejor representación que aquella que se levanta como emblema de lo ancestral en resistencia con el Frailejón de páramo andino, que permanece aún en los cerros de la cordillera oriental, pese a la insistencia de la modernidad de convertir las ciudades en megalópolis, pretendiendo satisfacer “necesidades” ficticias de consumo del ser humano “modelo”, que no nos contempla en nuestra autenticidad. Este mismo proyecto de modernidad, que tiene manos y rostro, que no son las manos y los rostros de quienes trabajan la tierra, ni de quienes laboran a bajos salarios en las ciudades, pretende que la ciudad se expanda al punto de no reconocer la naturaleza, los animales y las plantas, como factores imprescindibles que mantienen en equilibrio nuestras vidas y nuestra permanencia; es por esto que reivindicamos igualmente la existencia del Guache en los cerros orientales como un ser que justamente permanece y mantiene ese equilibrio, generalmente desconocido, también porque nos cuesta vernos y reconocer lo propio cuando el mundo afuera exige crecimiento sin límites, ni éticos, ni lógicos.

Esta historia que nos cuenta la obra mural acerca del territorio, también es nuestra porque en él han habitado nuestros ancestros, porque nos reconocemos en su diversidad y autenticidad y, sobre todo, porque la cuidamos, la transmitimos y la conservamos. Cierra con la labor de una mujer trabajadora, que recoge las labores artesanales y nuestro espíritu cultural y festivo, que reivindicamos porque nos permite encontrarnos en la alegría y la diferencia, ella va uniendo en su hacer, esos hilos que nos tejen, a nosotros con el pasado y a todos con nuestra identidad.

 

Soñar en colectivo y construir a muchas manos

 

Este ha sido el resultado de un proceso que nos invitó a soñarnos, en el que participaron y nos encontramos con personajes que hacen que permanezca nuestra memoria como las señoras Cecilia, Yolanda y Alcira, o aquellos que con su espíritu joven imaginaron para todos nosotros como Ivonne, Pablo y Juan David, así como quienes viniendo de otros lugares nos permitieron enseñarles lo nuestro como María Irma, Vanesa y el profesor Victor de la Torre. Invitamos a todos a seguirnos soñando desde el reconocimiento de lo propio y de nuestras virtudes, que se pueden expandir, no como el concreto sobre la naturaleza, sí como la labor creativa que tenemos, la responsabilidad de generar espacios para encontrarnos todos en un lugar tejido colectivamente y en el respeto, partiendo de la garantía de derechos y la no exclusión.

Desde nuestro colectivo manifestamos esta obra, que es historia, memoria y vida, como un regalo a la ciudad y a nuestra localidad; un presente que recuerda el pasado y prepara el futuro, que a pesar de los tropiezos institucionales, por la naturaleza de su estructura, no nos detuvo, nos mantuvo en nuestro compromiso con la comunidad, aun trabajando en jornadas ilógicas que nada tienen que ver con el respeto y la valoración del trabajo y la labor de quienes entregamos nuestro tiempo, nuestro conocimiento y nuestros sueños a un proyecto común, para el disfrute y la reflexión de todos.

Esperamos que este, que nos ha parecido como colectivo y artistas, un gran resultado del trabajo constante, crítico, comprometido y de calidad, sea el punto de partida para generar más espacios en los que conversemos de manera participativa acerca de la ciudad, de cómo la construimos colectivamente, de cómo ejercemos nuestros derechos en ella; y que desde la institucionalidad, se respete este ejercicio, que permanezca y la obra se convierta en referente patrimonial, además que, en su objetivo de convocar espacios que expresen las ciudadanías, aprovechen esta intervención mural como punto nodal hacia la apropiación del patrimonio público y colectivo de la ciudad y la localidad de San Cristóbal, que se generen recorridos para su conocimiento y reconocimiento, abriendo sinceramente los lugares al diálogo y la reflexión desde la gente que habita y rehace cotidianamente el territorio.

 

1 www.facebook.com/conectandoprimerodemayo
2 www.colectivoartoarte.blogspot.com

Publicado enEdición Nº256
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